Blogia
Nahatan

Autores

Cindhi Sherman

https://nahatan.blogia.com/upload/externo-294e1cf9d318f5609a2839fc44044f05.jpg

 

rtista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longos. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo.

genial como con una idea simple hacer que la gente se identifique y se maraville ante su obra como la actuacion y la creatividad  van tomadas de lamano otra vez como muestra todo sin siquiera salir de lo cotidiano es lo que me parese mas interesante.

 

Lauren Greenfield.

https://nahatan.blogia.com/upload/externo-9a6d6738ef513608915952ce5d175e8e.jpg

 

 

Greenfield se graduó de Harvard en 1987 con un BA, Visual especialización en Estudios Ambientales. Su principal proyecto de tesis sobre la Aristocracia francés se llama "sobrevivientes de la Revolución Francesa". Esta labor ayudó a kickstart su carrera como pasante para la revista National Geographic. Una posterior donación de National Geographic ayudó a su debut con su monografía, "Avance rápido: Creciendo a la sombra de Hollywood" (Knopf, 1997). Cinco años después de la liberación de "Fast Forward", Greenfield produjo un segundo tour-de-fuerza del proyecto acerca de la autoestima de crisis entre las mujeres de América, titulado "Girl Culture".

.Su trabajo está en muchas de las principales colecciones, incluyendo al Instituto de Arte de Chicago, Los Angeles County Museum of Art, el San Francisco Museum of Modern Art, el Centro Internacional de Fotografía, el Center for Creative Photography, el Museo de Bellas Artes (Houston), el Archivo de la Universidad de Harvard, la Biblioteca de Clinton, y el Ministerio francés de Cultura. Está representada por el Pace / MacGill Gallery de Nueva York y la Fahey / Klein Gallery de Los Angeles.

Greenfield también ha dirigido un largometraje documental de HBO titulado delgada, y ha publicado un libro de acompañamiento con el mismo título. Esta característica película documental fue seleccionado para la competencia en el Festival de Cine de Sundance en 2006. En septiembre de 2006, Greenfield recibió el prestigioso Premio Grierson director del mejor largometraje documental en el Festival de Cine de Londres de 2006. Esta película también ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Independiente de Boston, la Newport Festival Internacional de Cine, y el Jackson Hole Film Festival. Ella también recibió una nominación EMMY 2007 al Mejor Director de la No-Ficción de programación para la película, "Thin".

Desde que empezó su carrera en 1991, sus fotografías se han publicado regularmente en revistas incluyando el New York Times Magazine, Time, Stern, The New Yorker, Teen Vouge ELLE, Harper’s, Harper’s Bazaar, Marie Claire, The Guardian, y el London Sunday Times Magazine. Ella es un miembro de la Agencia VII de fotos, una fotografía de cooperación internacional, y ha recibido numerosos premios de fotografía y subvenciones, incluido el ICP Infinity Award, una la subvención de la Fundación Hasselblad, y el People’s Choice Award en la Bienal de Moscú. Ella está casada con Frank Evers (Presidente / Fundador de la Nueva York de fotos Festival), con quien tiene dos hijos (Noah y Gabriel), y que residen en Venecia, California.

 

 

 

 

es una persona que se involucro con su idea al punto de desarrollarla totalmente cerrando un circulo dando la imprecion de complisidad con los retratados de un equipo un escape para ellas un trabajo inspirador para ella Lauren Greenfield.

Felix Nadar.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/51/Nadar,_F%C3%A9lix_-_Sarah_Bernhardt_(1845-1923)_-_La_Tosca_-_1887.jpg

 

 

En 1853, a pesar de que todavía se consideraba principalmente un caricaturista, se había convertido en un experto fotógrafo y ha abierto un estudio de retrato. Nadar del éxito inmediato deriva en parte de su sentido del espectáculo. Tenía todo el edificio que albergaba su estudio pintado de rojo y su nombre impreso en letras gigantes a través de una de 50 pies (15 metros) extensión de la pared. El edificio se convirtió en un hito local y un lugar de reunión favorito de los intelectuales de París. En 1874, más tarde los pintores impresionistas conocido como necesitaba un lugar para celebrar su primera exposición, Nadar les prestó su galería. Fue muy complacido por la tormenta planteada la exposición, la notoriedad es buena para los negocios.

En 1854 completó su primer "PanthéonNadar", un conjunto de gigantesca dos litografías de caricaturas retratando prominentes parisinos. Cuando él empezó a trabajar en la segunda "Panthéon-Nadar", que hizo retratos fotográficos de las personas tenía la intención de la caricatura. Sus retratos de los ilustrador Gustave Doré (c. 1855) y el poeta Charles Baudelaire (1855) son directas y, por supuesto, plantea , En contraste con la rígida formalidad de la mayoría de los retratos contemporáneos. Personaje notable Otros estudios son los del escritor Théophile Gautier (c. 1855) y el pintor Eugène Delacroix (1855).

No fue sino hasta 1858, sin embargo, que fue capaz de hacer un éxito de fotografía aérea, la primera del mundo, desde un globo. This led Daumier to issue a satirical lithograph of Nadar photographing Paris from a balloon. Esto condujo a la cuestión Daumier una litografía satírica de Nadar fotografiando París desde un globo. Se titula "El aumento de Fotografía de Nadar a la altura de Arte".

Nadar seguía siendo un apasionado aeronauta hasta que él y su esposa y los demás pasajeros resultaron heridos en un accidente en Le Géant, un gigantesco globo que había construido.

 

 

 

 

 

(Enciclopedia Británica)

 

 

 

creo que es tiene la teatralidad del dibujo mezclado con la elegancia que se le dava ala fotografia en aquel entonses para lograr una imprecion de sarcasmo y fiel retrato de el querer ser alguien  imprecionando alos demas

Misha Gordin

https://nahatan.blogia.com/upload/externo-1c7347dd81ead7f6714cae41cb8633fb.jpg

 

 

Este fotógrafo ruso (1945), se ha dedicado a la fotografía conceptual en dónde su concepto más importante es el hombre y su dimensión desde el encierro y la soledad. Sus trabajos son todos en blanco y negro recreando en todos ellos una atmósfera de constante búsqueda para expresar a través de este medio sentimientos y pensamientos. Como él mismo escribe:

Soy el que toma las fotografías de la realidad existente, o creando mi propio mundo, tan verdadero pero no existente. Los resultados de estos dos acercamientos tan opuestos son notablemente diferentes y, en mi opinión, la fotografía conceptual es una forma más alta de expresión artística que pone la fotografía en el nivel de la pintura, de la poesía, de la música y de la escultura. Emplea el talento especial de la visión intuitiva. Traduciendo los conceptos personales en la lengua de la fotografía, reflejando las respuestas posibles a las cuestiones importantes de ser: nacimiento, muerte y vida.

Gordin define así la fotografía conceptual:

“¿Apunto mi cámara exteriormente hacia el mundo que existe o hacia mi alma? ¿Saco fotos de la realidad tangible o creo mi propio mundo, tan real como inexistente? Los resultados entre estos dos enfrentados abordamientos son notablemente disímiles y, en mi opinión, la fotografía conceptual resulta una forma superior de expresión artística, que la instala al nivel de la pintura, la poesía, la música y la escultura. Utiliza el talento especial que posee una visión intuitiva. Al traducir los conceptos personales al lenguaje fotográfico, se reflejan posibles respuestas a las mayores incertidumbres de la humanidad: el nacimiento, la muerte, la vida. Crear una idea y convertirla a la realidad es el proceso esencial de la fotografía conceptual.”

Lograr plasmar realidades que más parecen sacadas de una imaginación surrealista, es lo que ha llevado a este artista a desarrollar estos conceptos que muestran la fragilidad del hombre enfrentado a su propio mundo, a un mundo que lo aleja y que lo confunde en la masa pero que a la vez lo rescata desde su propia individualidad.

Los invito a que miren este trabajo y se dejen llevar por sus propias sensaciones al observar a estos seres en blanco y negro.


En este momento no veo ninguna razón para cambiar a digital. Todavía prefiero esa calidad que brilla intensamente de la impresión original y del proceso laborioso para alcanzarlo. Todavía, creo, que es solamente materia del tiempo antes de que la tecnología digital substituya a la análoga y el acercamiento conceptual recibirá el lugar bien merecido en el arte de la fotografía. También deseo creer que, en muchos años, los artistas continuaran desarrollando la lengua de la fotografía, entendiendo y preservando su energía única.

Escrito por Misha Gordin.

 

https://nahatan.blogia.com/upload/externo-734fb610ac19e41b327c32a4e9f0a15c.jpg

 

 

 

complementa lo dicho en clase una buen idea con los conosimientos nesesarios pues la idea es simple pero la compocision de la imagen es si cono un todo es lo que nos atrapa nos invita como el dice a su mundo inexistente tan real y palpable como su fotografia.

Manuel Alvarez Bravo

La buena fama durmiendo. 1939

Nació en Ciudad de México el 4 de febrero de 1902. Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad.

Su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la fotografía fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.

A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacto. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión.

Por aquellos tiempos conoció a Tina Modotti, Diego Rivera, Pablo O’Higgins, entre otros. Estas amistades lo estimularon ideológica y políticamente hacia el carisma social que distingue toda su obra: plasmar la cultura e identidad mexicanas, con una visión que va más allá de una simple documentación, adentrándose con gran imaginación en la vida urbana y la de los pueblos, los campos, la religión, el paisaje y las tradiciones.

En 1930 Tina Modotti fue expulsada de México por sus afiliaciones comunistas, y le heredó a Álvarez Bravo su trabajo en la revista Mexican Folkways fotografiando a los muralistas de la época.

Ese mismo año se volcó por completo a la tarea fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Bretón, quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato.

La amistad con Bretón fructificó en la portada del libro "Catálogo de la exposición Surrealista Internacional" (1939) con textos de Bretón y en 1935? una exposición en París que sería trascendental en su trayectoria artística.

En 1936 expuso en la Galería Hipocampo del poeta mexicano Xavier Villaurrutia. Durante este periodo se adentró en la experiencia de nuevas soluciones que lo apartaron por completo del lenguaje visual desarrollado por los artistas de la lente que lo antecedieron, empleando elementos que dan mayor énfasis a la capacidad para evocar imágenes, a través de los sugestivos títulos de sus fotografías, basadas en la cultura y en la tradición mexicanas, que denotan una gran perspicacia y, en ocasiones, un fino sentido del humor.

La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo del cine con !Que Viva México! (Eisenstein, 1930), y participó en rodajes con personalidades como John Ford y Luis Buñuel. Asimismo, en 1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, y de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas) y El obrero (con el también escritor Juan de la Cabada). Es en esta década cuando consolida su madurez artística (que aún perdura), mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio significado.

Durante una larga trayectoria nacional e internacional, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor ha consistido en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México. Dentro de sus premios destacan los siguientes: Premio Nacional de las Artes (México, 1975), Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, en 1981, Premio Víctor Hasselblad (Suecia, 1984) y el Master of Photography del ICP (Nueva York, E.U.A, 1987).

 

 

 

es bueno saver que en mexico existio un poersonaje que se atrevio a seguir un estilo propio y noo ser un imitador de el estilo americono o europeo

 

Oliviero Toscani

 

 

 

 

 

Nacido en 1942, Milán. Es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.


Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.

El fotógrafo italiano aconseja a quien se ocupa de la comunicación "no tener ideas". "Quien tiene una idea no es creativo, la creatividad es una condición humana continua".

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

"La fotografía no tiene que sufrir el complejo de la pintura porque ya la ha adelantado", ha explicado.

"Una foto tiene que ser publicada: está hecha para la comunicación de masas, no para estar pegada a la pared. Su fin es describir la condición humana", aclara comentando las obras en las que ha metido "la vida y la muerte, dos conceptos que nunca han entrado en la publicidad".

En su intervención, Toscani no ha renunciado al empeño social demostrado en muchas de sus obras, como las que trataban sobre el sida, la pena de muerte y la tolerancia. "Nos olvidamos de los verdaderos problemas. Por ejemplo, vivimos en un mundo en el que el 50% de la población no tiene teléfono y el 93% no puede conectarse a Internet. Se ha creado una gran desigualdad entre los que tienen acceso a las tecnologías y los que no lo tienen".


Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d’Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d’Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.

"Actualmente, los medios de comunicación son como los refrescos: sirven para aplacar la sed, pero no tienen calidad ni nutren. Tendrían que estar al servicio de la humanidad y explicar ese nuevo mundo que cambia a la velocidad de un meteoro".

Henri Cartier Bresson.


hcb3
hcb3hcb3
Berlin Cartier Bresson

En 1947 junto a Capa, Saymour y Rodger fundaron la Agencia Mágnum y durante veinte años se recorrió todo el mundo siendo considerado uno de los reporteros más importantes de su época.A HCB se le asocia con la marca fotográfica Leica, que con su modelo M3 y su 50mm recorrieron el mundo buscando ‘la imagen’. Como contraposición a lo que se ve ahora con los objetivos blanquitos, en sus viajes pintaba las partes cromadas de su cámara de negro para pasar más desapercibido.

Cartier-Bresson murió el 3 de agosto del 2004 a los 95 años dejando un legado de imágenes con las que, fragmento a fragmento, se recompone la Historia del siglo XX.

‘Fotografiar es poner sobre una misma línea de mira la cabeza, el ojo y el corazón’ Henri Cartier Bresson

 

no es dificil entender la intencion de este autor aun que no estoy deacuerdo con este.

 

 

 

 

 

 

 

David Nebreda

Es madrileño, vegetariano y sufre esquizofrenia. Nadie sabe donde vive, no tiene televisión, ni radio. Tampoco lee los periódicos. Lleva veinte años sin salir de casa, sin mantener ningún tipo de relación con nadie.


Su obra, entre sorprendente y dolorosa, es inclasificable. La mayoría no podemos mantener la vista en su cuerpo totalmente martirizado. Es difícil apreciar su dolor. Lleva al límite al arte. Puede ser que quiera demostrarnos que la locura, el dolor, lo no-bonito, lo no-agradable… es arte. O puede ser que cree su obra para acabar con los fantasmas que le atormentan. A penas se alimenta, y su extrema delgadez, unida a las heridas que él mismo se produce, son los protagonistas de su obra.




Él mismo se fotografía. Y dudo que exista alguien capaz de hacerlo como lo hace él. Pasará a formar parte de la historia del arte y siempre que se hable de él, saldrá a la luz el debate sobre ¿Qué es y qué no es arte? ¿Es arte la locura? ¿Es justo que un hombre se torture para regalar su obra al mundo? ¿Seriamos capaces de colgar en nuestro salón una imagen del dolor? ¿Es arte el dolor?


Se fotografía con sus excrementos. Utilizada su semen y su micción para realizar sus obras. ¿Es arte? ¿Nos da asco porque es asqueroso o son conceptos aprendidos? ¿Por qué nos produce rechazo algo tan humano, tan propio de nosotros mismos?



fuente: (http://www.kulturaezkerraldean.com/)

 

Recapitulemos por que creo que apesar de ser un discurso muy bonito el de arriba se esta centrando en las herramientas

lo interesante no es el semen, pues a pesar de que es un  recurso que  vemos en la obra de Andres Serrano no evoca las mismas ideas no te incomoda no te lleva a pensar que estas en ese momento en esas 4 dimenciones a donde el autor anterior te lleva secuestrado por su crudesa su capacidad de adoptar eñ aspecto magico de a fotografia y ser un chaman un guia por su galaxia  de cuatro paredes,

en lo personal me recuerda la clase cuando comentamos las fotos de el concurso de fooseptiembre donde todos decian que la fotografia tomada por natchio donde la chica esta tocando el plastico, no les gustava por que les desesperava les ahogaba

por que ?   por que la foto es exitosa y lo digo por que te da algo y eso es solo secuela  de una formula que este chaman tiene ya medida.

Joel peter witkin

Joel Peter Witkin

 

USA, 1939

Witkin fué técnico en un estudio especializado en el proceso Dye Transfer, y más tarde asistente en dos estudios fotográficos. Seguidamente trabajó como fotógrafo en el ejército.

En 1967 decidió trabajar como fotógrafo independiente y actuó como fotógrafo oficial de City Walls Inc. de Nueva York. Posteriormente realizó estudios en la cooper School of fine Arts, de NY, donde obtuvo en 1974 el título de Bachelor of Arts. Después de haber obtenido una beca de poesía en la Columbia University, finalizó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico, con el título Master of Fine Arts. Actualmente enseña fotografía.

Witkin alborotó la opinión pública en los años ochenta, con fotografías de personas deformes, partes de cadáveres y puestas en escena de acontecimientos de la historia eclesiástica que citan conocidas obras maestras. Muchos de sus trabajos hacen pensar en escenas del pintor El Bosco. Desde una posición marginal, ha logrado con los años establecerse en el mundo del arte reconocido.

 

fuente:   http://www.fotoarterosario.com.ar/blog/?p=38

 

https://nahatan.blogia.com/upload/externo-ee502bbf699104cc2cdc684321ea7b30.jpg
.
.
https://nahatan.blogia.com/upload/externo-f946a57c79a588a5fdd4664657bf0659.jpg
.
https://nahatan.blogia.com/upload/externo-4246d18f17192f45ed9322912c1d0c30.jpg

RICHARD AVEDON

RICHARD AVEDON

 


 

Nació en Nueva York, el 15 de mayo de 1923San Antonio, Texas, y muere el 1 de octubre de 2004 fue un fotógrafo estadounidense.Empezó a practicar la fotografía a la edad de diez años: su primer modelo fue el compositor ruso Serguéi Rachmaninov, amigo personal de sus padres. Estudió la disciplina en la New School of Social Research, después de lo cual realizó trabajos para revistas de moda como Harper’s Bazaar (1946-1965), Vogue (1966-1990) y el semanario The New Yorker. Avedon se convirtió en uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, con un estilo caracterizado por el constante juego entre contrastes, tanto visuales (negro y blanco) como conceptuales (sofisticación y frivolidad). Entre sus trabajos más destacados cabe señalar así mismo numerosos retratos, a menudo austeros y hieráticos. En 1959 se publicó la primera antología de su obra fotográfica, Observations, seguida más adelante por Nothing personal (1974) y Portraits (1976), entre otras.

Fotógrafo de gran reputación en la moda y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años cincuenta realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper’s Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años sesenta y setenta. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.

En los años sesenta Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el Sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro “Nothing Personal”. A finales de los sesenta y principios de los setenta, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Berlín para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el muro.

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.

En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth (Texas), Avedon dedicó cinco años a recorrer el Oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the American West, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc.; en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.

Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17,000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In The American West 1979 – 1984

Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.

Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.

El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por The New Yorker, el cual se titulaba On Democracy, y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1º de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.

 

Nastassja Kinski and the Serpent, 1981

 

Twiggy. hair by Ara Gallant. Paris studio. January 1968. Richard Avedon
Twiggy. hair by Ara Gallant. Paris studio. January 1968. © Richard Avedon

Andy Warhol, artist, Jay Johnson and Candy Darling, actors, New York. August 20. 1969. Richard Avedon
Andy Warhol, artist, Jay Johnson and Candy Darling, actors, New York. August 20. 1969. © Richard Avedon

Veruschka. dress by Bill Blass. New York. January 1967. Richard Avedon
Veruschka. dress by Bill Blass. New York. January 1967. © Richard Avedon

The Beatles. London. August 11. 1967. Richard Avedon
The Beatles. London. August 11. 1967. © Richard Avedon

Paul Simon and Art Garfunkel. singers. New York. March 1. 1967. Richard Avedon
Paul Simon and Art Garfunkel. singers. New York. March 1. 1967. © Richard Avedon

New York Life. Lower West Side. New York. September 9. 1949. Richard Avedon
New York Life. Lower West Side. New York. September 9. 1949. © Richard Avedon

 

Marguerite Duras. writer. Paris. May 21. 1993. Richard Avedon
Marguerite Duras. writer. Paris. May 21. 1993. © Richard Avedon

Major Claude Eatherly. pilot of Hiroshima. Galveston. Texas. April 3. 1963. Richard Avedon
Major Claude Eatherly. pilot of Hiroshima. Galveston. Texas. April 3. 1963. © Richard Avedon

 

Homage to Munkacsi. Carmen. coat by Cardin. Place François-Premier. Paris. August 1957. Richard Avedon
Homage to Munkacsi. Carmen. coat by Cardin. Place François-Premier. Paris. August 1957. © Richard Avedon

Debutante Cotillion. New Orleans. Louisiana. February 19. 1963. Richard Avedon
Debutante Cotillion. New Orleans. Louisiana. February 19. 1963. © Richard Avedon

Academy Awards. Irving (Swifty) Lazar. Elisabeth Taylor. Jack Nicholson. Los Angeles. California. March 29. 1993. Richard Avedon
Academy Awards. Irving (Swifty) Lazar. Elisabeth Taylor. Jack Nicholson. Los Angeles. California. March 29. 1993. © Richard Avedon

 


 

Fuentes electrónicas:

http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Avedon

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/avedon.htm

 

 

 

 Para mi espontáneo, sencillo, elegante, minimalista. Aplicando por así decirlo el credo de Cartier, el momento decisivo, tiene que ser casual, tiene que ser ajeno al fotografo?. Creo que igual en una sesión, los modelos son libres y hacen gesto,s caras, reclamos, reproches, actuan, pero de que serviría si no lo sabes dar. Y para darlo, es exactamente lo mismo tomar un angulo, participar, ser un extracto de lo que paso en  realidad.