Cindhi Sherman

 

rtista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longos. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo.

genial como con una idea simple hacer que la gente se identifique y se maraville ante su obra como la actuacion y la creatividad  van tomadas de lamano otra vez como muestra todo sin siquiera salir de lo cotidiano es lo que me parese mas interesante.

 

Lauren Greenfield.

 

 

Greenfield se graduó de Harvard en 1987 con un BA, Visual especialización en Estudios Ambientales. Su principal proyecto de tesis sobre la Aristocracia francés se llama "sobrevivientes de la Revolución Francesa". Esta labor ayudó a kickstart su carrera como pasante para la revista National Geographic. Una posterior donación de National Geographic ayudó a su debut con su monografía, "Avance rápido: Creciendo a la sombra de Hollywood" (Knopf, 1997). Cinco años después de la liberación de "Fast Forward", Greenfield produjo un segundo tour-de-fuerza del proyecto acerca de la autoestima de crisis entre las mujeres de América, titulado "Girl Culture".

.Su trabajo está en muchas de las principales colecciones, incluyendo al Instituto de Arte de Chicago, Los Angeles County Museum of Art, el San Francisco Museum of Modern Art, el Centro Internacional de Fotografía, el Center for Creative Photography, el Museo de Bellas Artes (Houston), el Archivo de la Universidad de Harvard, la Biblioteca de Clinton, y el Ministerio francés de Cultura. Está representada por el Pace / MacGill Gallery de Nueva York y la Fahey / Klein Gallery de Los Angeles.

Greenfield también ha dirigido un largometraje documental de HBO titulado delgada, y ha publicado un libro de acompañamiento con el mismo título. Esta característica película documental fue seleccionado para la competencia en el Festival de Cine de Sundance en 2006. En septiembre de 2006, Greenfield recibió el prestigioso Premio Grierson director del mejor largometraje documental en el Festival de Cine de Londres de 2006. Esta película también ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Independiente de Boston, la Newport Festival Internacional de Cine, y el Jackson Hole Film Festival. Ella también recibió una nominación EMMY 2007 al Mejor Director de la No-Ficción de programación para la película, "Thin".

Desde que empezó su carrera en 1991, sus fotografías se han publicado regularmente en revistas incluyando el New York Times Magazine, Time, Stern, The New Yorker, Teen Vouge ELLE, Harper’s, Harper’s Bazaar, Marie Claire, The Guardian, y el London Sunday Times Magazine. Ella es un miembro de la Agencia VII de fotos, una fotografía de cooperación internacional, y ha recibido numerosos premios de fotografía y subvenciones, incluido el ICP Infinity Award, una la subvención de la Fundación Hasselblad, y el People’s Choice Award en la Bienal de Moscú. Ella está casada con Frank Evers (Presidente / Fundador de la Nueva York de fotos Festival), con quien tiene dos hijos (Noah y Gabriel), y que residen en Venecia, California.

 

 

 

 

es una persona que se involucro con su idea al punto de desarrollarla totalmente cerrando un circulo dando la imprecion de complisidad con los retratados de un equipo un escape para ellas un trabajo inspirador para ella Lauren Greenfield.

Felix Nadar.

 

 

En 1853, a pesar de que todavía se consideraba principalmente un caricaturista, se había convertido en un experto fotógrafo y ha abierto un estudio de retrato. Nadar del éxito inmediato deriva en parte de su sentido del espectáculo. Tenía todo el edificio que albergaba su estudio pintado de rojo y su nombre impreso en letras gigantes a través de una de 50 pies (15 metros) extensión de la pared. El edificio se convirtió en un hito local y un lugar de reunión favorito de los intelectuales de París. En 1874, más tarde los pintores impresionistas conocido como necesitaba un lugar para celebrar su primera exposición, Nadar les prestó su galería. Fue muy complacido por la tormenta planteada la exposición, la notoriedad es buena para los negocios.

En 1854 completó su primer "PanthéonNadar", un conjunto de gigantesca dos litografías de caricaturas retratando prominentes parisinos. Cuando él empezó a trabajar en la segunda "Panthéon-Nadar", que hizo retratos fotográficos de las personas tenía la intención de la caricatura. Sus retratos de los ilustrador Gustave Doré (c. 1855) y el poeta Charles Baudelaire (1855) son directas y, por supuesto, plantea , En contraste con la rígida formalidad de la mayoría de los retratos contemporáneos. Personaje notable Otros estudios son los del escritor Théophile Gautier (c. 1855) y el pintor Eugène Delacroix (1855).

No fue sino hasta 1858, sin embargo, que fue capaz de hacer un éxito de fotografía aérea, la primera del mundo, desde un globo. This led Daumier to issue a satirical lithograph of Nadar photographing Paris from a balloon. Esto condujo a la cuestión Daumier una litografía satírica de Nadar fotografiando París desde un globo. Se titula "El aumento de Fotografía de Nadar a la altura de Arte".

Nadar seguía siendo un apasionado aeronauta hasta que él y su esposa y los demás pasajeros resultaron heridos en un accidente en Le Géant, un gigantesco globo que había construido.

 

 

 

 

 

(Enciclopedia Británica)

 

 

 

creo que es tiene la teatralidad del dibujo mezclado con la elegancia que se le dava ala fotografia en aquel entonses para lograr una imprecion de sarcasmo y fiel retrato de el querer ser alguien  imprecionando alos demas

Misha Gordin

 

 

Este fotógrafo ruso (1945), se ha dedicado a la fotografía conceptual en dónde su concepto más importante es el hombre y su dimensión desde el encierro y la soledad. Sus trabajos son todos en blanco y negro recreando en todos ellos una atmósfera de constante búsqueda para expresar a través de este medio sentimientos y pensamientos. Como él mismo escribe:

Soy el que toma las fotografías de la realidad existente, o creando mi propio mundo, tan verdadero pero no existente. Los resultados de estos dos acercamientos tan opuestos son notablemente diferentes y, en mi opinión, la fotografía conceptual es una forma más alta de expresión artística que pone la fotografía en el nivel de la pintura, de la poesía, de la música y de la escultura. Emplea el talento especial de la visión intuitiva. Traduciendo los conceptos personales en la lengua de la fotografía, reflejando las respuestas posibles a las cuestiones importantes de ser: nacimiento, muerte y vida.

Gordin define así la fotografía conceptual:

“¿Apunto mi cámara exteriormente hacia el mundo que existe o hacia mi alma? ¿Saco fotos de la realidad tangible o creo mi propio mundo, tan real como inexistente? Los resultados entre estos dos enfrentados abordamientos son notablemente disímiles y, en mi opinión, la fotografía conceptual resulta una forma superior de expresión artística, que la instala al nivel de la pintura, la poesía, la música y la escultura. Utiliza el talento especial que posee una visión intuitiva. Al traducir los conceptos personales al lenguaje fotográfico, se reflejan posibles respuestas a las mayores incertidumbres de la humanidad: el nacimiento, la muerte, la vida. Crear una idea y convertirla a la realidad es el proceso esencial de la fotografía conceptual.”

Lograr plasmar realidades que más parecen sacadas de una imaginación surrealista, es lo que ha llevado a este artista a desarrollar estos conceptos que muestran la fragilidad del hombre enfrentado a su propio mundo, a un mundo que lo aleja y que lo confunde en la masa pero que a la vez lo rescata desde su propia individualidad.

Los invito a que miren este trabajo y se dejen llevar por sus propias sensaciones al observar a estos seres en blanco y negro.

En este momento no veo ninguna razón para cambiar a digital. Todavía prefiero esa calidad que brilla intensamente de la impresión original y del proceso laborioso para alcanzarlo. Todavía, creo, que es solamente materia del tiempo antes de que la tecnología digital substituya a la análoga y el acercamiento conceptual recibirá el lugar bien merecido en el arte de la fotografía. También deseo creer que, en muchos años, los artistas continuaran desarrollando la lengua de la fotografía, entendiendo y preservando su energía única.

Escrito por Misha Gordin.

 

 

 

 

complementa lo dicho en clase una buen idea con los conosimientos nesesarios pues la idea es simple pero la compocision de la imagen es si cono un todo es lo que nos atrapa nos invita como el dice a su mundo inexistente tan real y palpable como su fotografia.

Manuel Alvarez Bravo

Nació en Ciudad de México el 4 de febrero de 1902. Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad.

Su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la fotografía fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.

A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacto. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión.

Por aquellos tiempos conoció a Tina Modotti, Diego Rivera, Pablo O’Higgins, entre otros. Estas amistades lo estimularon ideológica y políticamente hacia el carisma social que distingue toda su obra: plasmar la cultura e identidad mexicanas, con una visión que va más allá de una simple documentación, adentrándose con gran imaginación en la vida urbana y la de los pueblos, los campos, la religión, el paisaje y las tradiciones.

En 1930 Tina Modotti fue expulsada de México por sus afiliaciones comunistas, y le heredó a Álvarez Bravo su trabajo en la revista Mexican Folkways fotografiando a los muralistas de la época.

Ese mismo año se volcó por completo a la tarea fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Bretón, quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato.

La amistad con Bretón fructificó en la portada del libro "Catálogo de la exposición Surrealista Internacional" (1939) con textos de Bretón y en 1935? una exposición en París que sería trascendental en su trayectoria artística.

En 1936 expuso en la Galería Hipocampo del poeta mexicano Xavier Villaurrutia. Durante este periodo se adentró en la experiencia de nuevas soluciones que lo apartaron por completo del lenguaje visual desarrollado por los artistas de la lente que lo antecedieron, empleando elementos que dan mayor énfasis a la capacidad para evocar imágenes, a través de los sugestivos títulos de sus fotografías, basadas en la cultura y en la tradición mexicanas, que denotan una gran perspicacia y, en ocasiones, un fino sentido del humor.

La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo del cine con !Que Viva México! (Eisenstein, 1930), y participó en rodajes con personalidades como John Ford y Luis Buñuel. Asimismo, en 1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, y de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas) y El obrero (con el también escritor Juan de la Cabada). Es en esta década cuando consolida su madurez artística (que aún perdura), mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio significado.

Durante una larga trayectoria nacional e internacional, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor ha consistido en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México. Dentro de sus premios destacan los siguientes: Premio Nacional de las Artes (México, 1975), Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, en 1981, Premio Víctor Hasselblad (Suecia, 1984) y el Master of Photography del ICP (Nueva York, E.U.A, 1987).

 

 

 

es bueno saver que en mexico existio un poersonaje que se atrevio a seguir un estilo propio y noo ser un imitador de el estilo americono o europeo

 

Oliviero Toscani

 

 

 

 

 

Nacido en 1942, Milán. Es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.

Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.

El fotógrafo italiano aconseja a quien se ocupa de la comunicación "no tener ideas". "Quien tiene una idea no es creativo, la creatividad es una condición humana continua".

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

"La fotografía no tiene que sufrir el complejo de la pintura porque ya la ha adelantado", ha explicado.

"Una foto tiene que ser publicada: está hecha para la comunicación de masas, no para estar pegada a la pared. Su fin es describir la condición humana", aclara comentando las obras en las que ha metido "la vida y la muerte, dos conceptos que nunca han entrado en la publicidad".

En su intervención, Toscani no ha renunciado al empeño social demostrado en muchas de sus obras, como las que trataban sobre el sida, la pena de muerte y la tolerancia. "Nos olvidamos de los verdaderos problemas. Por ejemplo, vivimos en un mundo en el que el 50% de la población no tiene teléfono y el 93% no puede conectarse a Internet. Se ha creado una gran desigualdad entre los que tienen acceso a las tecnologías y los que no lo tienen".

Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d’Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d’Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.

"Actualmente, los medios de comunicación son como los refrescos: sirven para aplacar la sed, pero no tienen calidad ni nutren. Tendrían que estar al servicio de la humanidad y explicar ese nuevo mundo que cambia a la velocidad de un meteoro".

Henri Cartier Bresson.

En 1947 junto a Capa, Saymour y Rodger fundaron la Agencia Mágnum y durante veinte años se recorrió todo el mundo siendo considerado uno de los reporteros más importantes de su época.A HCB se le asocia con la marca fotográfica Leica, que con su modelo M3 y su 50mm recorrieron el mundo buscando ‘la imagen’. Como contraposición a lo que se ve ahora con los objetivos blanquitos, en sus viajes pintaba las partes cromadas de su cámara de negro para pasar más desapercibido.

Cartier-Bresson murió el 3 de agosto del 2004 a los 95 años dejando un legado de imágenes con las que, fragmento a fragmento, se recompone la Historia del siglo XX.

‘Fotografiar es poner sobre una misma línea de mira la cabeza, el ojo y el corazón’ Henri Cartier Bresson

 

no es dificil entender la intencion de este autor aun que no estoy deacuerdo con este.

 

 

 

 

 

 

 

David Nebreda

Es madrileño, vegetariano y sufre esquizofrenia. Nadie sabe donde vive, no tiene televisión, ni radio. Tampoco lee los periódicos. Lleva veinte años sin salir de casa, sin mantener ningún tipo de relación con nadie.


Su obra, entre sorprendente y dolorosa, es inclasificable. La mayoría no podemos mantener la vista en su cuerpo totalmente martirizado. Es difícil apreciar su dolor. Lleva al límite al arte. Puede ser que quiera demostrarnos que la locura, el dolor, lo no-bonito, lo no-agradable… es arte. O puede ser que cree su obra para acabar con los fantasmas que le atormentan. A penas se alimenta, y su extrema delgadez, unida a las heridas que él mismo se produce, son los protagonistas de su obra.




Él mismo se fotografía. Y dudo que exista alguien capaz de hacerlo como lo hace él. Pasará a formar parte de la historia del arte y siempre que se hable de él, saldrá a la luz el debate sobre ¿Qué es y qué no es arte? ¿Es arte la locura? ¿Es justo que un hombre se torture para regalar su obra al mundo? ¿Seriamos capaces de colgar en nuestro salón una imagen del dolor? ¿Es arte el dolor?


Se fotografía con sus excrementos. Utilizada su semen y su micción para realizar sus obras. ¿Es arte? ¿Nos da asco porque es asqueroso o son conceptos aprendidos? ¿Por qué nos produce rechazo algo tan humano, tan propio de nosotros mismos?

fuente: (http://www.kulturaezkerraldean.com/)

 

Recapitulemos por que creo que apesar de ser un discurso muy bonito el de arriba se esta centrando en las herramientas

lo interesante no es el semen, pues a pesar de que es un  recurso que  vemos en la obra de Andres Serrano no evoca las mismas ideas no te incomoda no te lleva a pensar que estas en ese momento en esas 4 dimenciones a donde el autor anterior te lleva secuestrado por su crudesa su capacidad de adoptar eñ aspecto magico de a fotografia y ser un chaman un guia por su galaxia  de cuatro paredes,

en lo personal me recuerda la clase cuando comentamos las fotos de el concurso de fooseptiembre donde todos decian que la fotografia tomada por natchio donde la chica esta tocando el plastico, no les gustava por que les desesperava les ahogaba

por que ?   por que la foto es exitosa y lo digo por que te da algo y eso es solo secuela  de una formula que este chaman tiene ya medida.

Joel peter witkin

Joel Peter Witkin

 

USA, 1939

Witkin fué técnico en un estudio especializado en el proceso Dye Transfer, y más tarde asistente en dos estudios fotográficos. Seguidamente trabajó como fotógrafo en el ejército.

En 1967 decidió trabajar como fotógrafo independiente y actuó como fotógrafo oficial de City Walls Inc. de Nueva York. Posteriormente realizó estudios en la cooper School of fine Arts, de NY, donde obtuvo en 1974 el título de Bachelor of Arts. Después de haber obtenido una beca de poesía en la Columbia University, finalizó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico, con el título Master of Fine Arts. Actualmente enseña fotografía.

Witkin alborotó la opinión pública en los años ochenta, con fotografías de personas deformes, partes de cadáveres y puestas en escena de acontecimientos de la historia eclesiástica que citan conocidas obras maestras. Muchos de sus trabajos hacen pensar en escenas del pintor El Bosco. Desde una posición marginal, ha logrado con los años establecerse en el mundo del arte reconocido.

 

fuente:   http://www.fotoarterosario.com.ar/blog/?p=38

 

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RICHARD AVEDON

RICHARD AVEDON

 

 

Nació en Nueva York, el 15 de mayo de 1923 — San Antonio, Texas, y muere el 1 de octubre de 2004 fue un fotógrafo estadounidense.Empezó a practicar la fotografía a la edad de diez años: su primer modelo fue el compositor ruso Serguéi Rachmaninov, amigo personal de sus padres. Estudió la disciplina en la New School of Social Research, después de lo cual realizó trabajos para revistas de moda como Harper’s Bazaar (1946-1965), Vogue (1966-1990) y el semanario The New Yorker. Avedon se convirtió en uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, con un estilo caracterizado por el constante juego entre contrastes, tanto visuales (negro y blanco) como conceptuales (sofisticación y frivolidad). Entre sus trabajos más destacados cabe señalar así mismo numerosos retratos, a menudo austeros y hieráticos. En 1959 se publicó la primera antología de su obra fotográfica, Observations, seguida más adelante por Nothing personal (1974) y Portraits (1976), entre otras.

Fotógrafo de gran reputación en la moda y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años cincuenta realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper’s Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años sesenta y setenta. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.

En los años sesenta Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el Sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro “Nothing Personal”. A finales de los sesenta y principios de los setenta, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Berlín para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el muro.

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.

En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth (Texas), Avedon dedicó cinco años a recorrer el Oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the American West, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc.; en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.

Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17,000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In The American West 1979 – 1984

Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.

Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.

El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por The New Yorker, el cual se titulaba On Democracy, y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1º de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.

 

Nastassja Kinski and the Serpent, 1981

 

Twiggy. hair by Ara Gallant. Paris studio. January 1968. © Richard Avedon

Andy Warhol, artist, Jay Johnson and Candy Darling, actors, New York. August 20. 1969. © Richard Avedon

Veruschka. dress by Bill Blass. New York. January 1967. © Richard Avedon

The Beatles. London. August 11. 1967. © Richard Avedon

Paul Simon and Art Garfunkel. singers. New York. March 1. 1967. © Richard Avedon

New York Life. Lower West Side. New York. September 9. 1949. © Richard Avedon

 

Marguerite Duras. writer. Paris. May 21. 1993. © Richard Avedon

Major Claude Eatherly. pilot of Hiroshima. Galveston. Texas. April 3. 1963. © Richard Avedon

 

Homage to Munkacsi. Carmen. coat by Cardin. Place François-Premier. Paris. August 1957. © Richard Avedon

Debutante Cotillion. New Orleans. Louisiana. February 19. 1963. © Richard Avedon

Academy Awards. Irving (Swifty) Lazar. Elisabeth Taylor. Jack Nicholson. Los Angeles. California. March 29. 1993. © Richard Avedon

 

 

Fuentes electrónicas:

http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Avedon

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/avedon.htm

 

 

 

 Para mi espontáneo, sencillo, elegante, minimalista. Aplicando por así decirlo el credo de Cartier, el momento decisivo, tiene que ser casual, tiene que ser ajeno al fotografo?. Creo que igual en una sesión, los modelos son libres y hacen gesto,s caras, reclamos, reproches, actuan, pero de que serviría si no lo sabes dar. Y para darlo, es exactamente lo mismo tomar un angulo, participar, ser un extracto de lo que paso en  realidad.

pelicula, ISO-ASA

Sensibilidad fotográfica: los Isos y su uso

 

La sensibilidad es la velocidad de reacción de la emulsión de la película, en las cámaras antiguas de carrete, a la luz. Esta sensibilidad supone que una película “de baja sensibilidad” o una “película lenta” necesita más tiempo de exposición y una película rápida, pues menos. Pero vayamos por partes.

Antes había dos tipos de escala de sensibilidad de la luz: los ASA (American Standard Asociation) y los DIN (Deutsche Industrie Normen). Lo de siempre: americanos versus alemanes.

Actualmente ambos sistemas se han fundido en el sistema ISO (International Standard Office). Las siglas ISO corresponden a la organización que se ocupa de estandarizar productos y calidades en general; se trata de la International Standardization Organization -AENOR en España-.

 ¿Qué es eso de los ISO? Cuando ibas a la tienda antes te solían dar un carrete de iso 100, si no decías lo contrario. ¿Y para qué es el iso 100? es una película de sensibilidad media. Un 100 Iso es más o menos un todo terreno.

Las películas antiguamente eran de sensibilidad baja, media o alta. Por debajo de 100 la película es lenta y por encima es rápida, muy rápida o super rápida. Esta rapidez , como ya hemos dicho, nos habla de cómo reacciona la película (las antiguas claro) en relación con la luz. Y ahora con las cámaras digitales funciona más o menos igual, por no extenderme demasiado.

En una cámara digital es posible cambiar la sensibilidad del CCD antes de tomar cada foto y mientras que en las cámaras analógicas la sensibilidad de la emulsión dependía esencialmente del tamaño de las partículas fotosensibles -haluros de plata- y de su dispersión, en los sistemas electrónicos son muy diversos los factores que influyen en la obtención de las densidades finales y casi siempre se puden manipular por ordenador.

¿Y qué relación hay entre las películas rápidas o lentas y la luz?

Pues que con las rápidas o más sensibles necesitan menos cantidad de luz/tiempo de exposición que las lentas o menos sensibles, que tardan más tiempo en exponerse.

¿cuando se usa cada iso?

Versión flash by Aik
ISO más alto-> mayor sensibilidad, velocidades de obturación más rápidas, mejor en condiciones de poca luz.
ISO más bajo-> menor sensibilidad, velocidades más lentas, mejor en condiciones óptimas de luz y con flash.
El ruido es mayor a mayores ISO.

fuente : www.fotofacliya.com/sensibilidad

tipos de lentes y sus caracteristicas

Clasificación de lentes

Cuando vamos a tomar una foto, si es que tenemos una buena idea en mente, pero no sabemos cómo realizarla, hay algunas dificultades técnicas que debemos considerar e intentar resolver. Una de ellas es el tipo de lente que utilizaremos para tomar la foto. Hay lentes que abarcan más espacio que otros, hay lentes que cubren lo que un ojo humano jamás podría pretender, y hay lentes con los que se aumentan objetos tan pequeños que jamás consideraríamos lograr fotografiar.

El objetivo puede ser normal, o puede ser intercambiable, compuesto por varias lentes distintas que lo hacen tomar la realidad desde diferentes posturas. Los objetivos fotográficos pueden variar, y son muy versátiles: pueden cubrir ángulos de campo que van desde los 5º a los 180 º.

Los objetivos se clasifican en función del su ángulo de campo, y generalmente esa clasificación es en tres grandes grupos:

En primer lugar, tenemos a los lentes Normales, que tienen un ángulo de 45 º.

Estos son llamados normales porque abarcan más o menos lo mismo que el ojo humano.

Generalmente, las cámaras caseras, digitales o no, poseen estos lentes.

La distorsión de la realidad por ende es prácticamente nula (salvo si la foto es tomada muy de cerca).

Van desde los 35mm a los 50 y 55 milímetros.

Por otro lado tenemos los Teleobjetivos, con un ángulo inferior a los 45º.

Este lente alcanza una distancia focal superior a los 60 milímetros y puede ser de hasta 2000 milímetros. Se les da este nombre porque pueden encuadrar a un objeto a distancias muy lejanas.

Tienen un mayor alcance, aunque la realidad aparece más recortada que lo que vería un ojo normal. También se utilizan para fotografiar objetos muy pequeños, llamados “objetivos macro” (que pueden hacer grandes a los pequeños bichos). Su distancia focal está entre los 50 y 200 mm.

Y finalmente, nos quedan los Gran angulares, que con un ángulo superior a los 45º nos permiten tomar imágenes de grandes extensiones, o sitios amplios. La distorsión de la realidad en este caso se da porque los objetos parecen aparecer más alejados en el espacio de lo que en realidad están.

Lo que se encuentre más cerca del objetivo parecerá más grande, mientras que lo que se encuentre más lejos parecerá muy lejano. Este es el tipo de lentes que se utilizan en las cámaras de televisión: por eso es que cuando vamos a un estudio de TV nos damos cuenta que el espacio es mucho más pequeño del que imaginábamos en un principio, y que los conductores de los programas son más flacos que lo que se muestra en tevé (y de ahí el famoso dicho de que “la tele engorda”, ya que el lente gran angular, como dijimos, hace más grandes a los objetos cercanos).

Otro tipo de gran angular muy particular es el famoso “Ojo de pez“, que es un lente que exagera sumamente la realidad: permite un ángulo de visión de 180°.

Esto hace que los costados de la imagen se vean muy distorsionados y curvos.

Varían la perspectiva torciendo las líneas rectas.

El efecto que este lente provoca en la realidad es muy atractivo.

Cabe destacar también el “Efecto Zoom“, que no es otra cosa que un lente con distancias focales variables.

Es como tener (en parte) los tres lentes en uno solo.

Lo único que hacen es variar el ángulo y la distancia entre lentes, lo que permite acercar o alejar los objetos.

Este lente es muy útil para llegar a largas distancias, por ejemplo, cuando queremos destacar algún elemento del paisaje y a su vez tomar una foto del paisaje completo.

 

 

 

fuente: http://www.haciendofoco.com/2007-09-29/88/clasificacion-de-lentes/

Filtros basicos

El filtro

Los filtros, equilibran situaciones cromáticas, retienen el espectro luminoso y permiten el paso sólo de la luz de su mismo color. La absorción de la luz, en relación a la densidad del filtro se compensa con el aumento de la exposición.

Hay filtros que modifican los colores, la luz, el enfoque de la fotografía, el contraste, o incluyen efectos especiales sobre la fotografía.

aqui de los prinsipales y su funcion especifica.

Filtro estrellado: El filtro estrellado convierte los puntos de luz intensa en puntos brillantes estrellados, creando efectos atractivos en panorámicas nocturnas. " pueden ver la imagen de abajo"

Filtro difusor: Este filtro se utiliza sobre todo para difuminar la imagen, porque anula los efectos de la elevada nitidez de los objetivos. En fotografías de retratos y desnudos elimina los efectos de la piel y proporciona a las fotografías una atmósfera muy romántica.

Filtro polarizador: Es ideal para eliminar los reflejos que forman sobre la superficies brillantes.

Resulta un filtro adecuado para la realización y corrección de las siguientes tomas fotográficas:

* Para realizar un retrato a una persona que lleva gafas.
* Fotografiar escaparates.
* Fotografiar la superficie del agua
* Para oscurecer el cielo en las fotografías de color sin afectar el equilibrio cromático

 

 

fuente : http://www.digitalfotored.com/fotografia/filtrofotografico.htm

Etapas de genesis de la imagen

Etapas de la génesis de la imagen

Para Moles, la creación de una imagen se conforma de 14 posibles etapas:

1. La primera imagen: el contorno de una forma real, perfil de un rostro o un animal.

2. El surgimiento de detalles en el interior del contorno: los ojos y las orejas por ejemplo.

3. El surgimiento de los contornos sobre un fondo, él mismo dibujado. Jerarquía de lo principal.

4. Los colores, primer elemento de un realismo sensializante.

5. La rotación de los perfiles (cambiar, a través del pensamiento, de punto de vista) creencia en la coherencia y la unidad de la forma representada de frente, de tres cuartos o de perfil.

6. La escultura, imagen de tres dimensiones.

7. La yuxtaposición significativa de elementos visuales tomados del desarrollo de una acción.

8. Las sombras y el modelado, el sombreado: surgimiento del relieve.

9. La perspectiva, algoritmo geométrico del todo desde un punto de vista.

10. La fotografía: fijar el “icono” extraído del objeto, sobre la base de una técnica.

11. La estereoscopia, visión de tres dimensiones a través de artificios tecnológicos.

12. El holograma, confrontación posible entre el mundo de las imágenes y el mundo real.

13. La imagen móvil (en cine), cristalización del movimiento visual.

14. La síntesis total (la imagen de la computadora) creando, a través de la visión, seres que no existen pero podrían existir.

 

 

fuente : http://www.eumed.net/libros/2008c/431/Etapas%20de%20la%20genesis%20de%20la%20imagen.htm

si bien existe una logica imperativa en la escalinata propuesta por Moles cro que se nesecita entender algo el genesis de la imagen se da en cuanto a la creacion de imagenes no al entendimiento de las mismaspor tanto creo que el entendimiento de estas  es inversamente proporcional a la facilidad de hacerlas.

problematica de lo visual en el mundo contemporaneo

Por asociación cacofónica uno podría pensar que esta vanguardia de la fotografía tiene una relación íntima con la pintura, más el pictorialismo fue una estética fotográfica que intentó separarse radicalmente de la pintura y de la fotografía academicista.

Su objetivo fue que la fotografía alcance el mismo rango de arte que la pintura, la escultura, captando una imagen de la realidad un tanto filtrada por la mirada y ciertos artilugios usados por el fotógrafo. Paradójicamente, más que una imagen de la realidad, la fotografía pictorialista simula un cuadro hecho a carbonilla por un artista del hiperrealismo.

Fue así como el pictorialismo plasmó paisajes y figuras femeninas, sobre todo, con una mirada francamente romántica en la que se ven días lluviosos, nublados o panorámicas etéreas. A la vista de hoy y por contraste con las fotografías documentales, el pictorialismo parece reflejar el mundo propio de las novelas con héroes épicos o los paisajes nostálgicos de Ingres.

Para lograr este efecto de evanescencia en la imagen, los fotógrafos pictorialistas usaron en sus cámaras diversos filtros, distintos niveles de luces, hasta llegar a la intervención con químicos en el proceso de revelado de la fotografía. Otro de los recursos muy utilizados era el enfoque distorsionado de la imagen para lograr ese velo etéreo en la fotografía.

Los críticos se esmeran por encasillar al pictorialismo como una hermana menor de la pintura impresionista, ya que las imágenes que se representaban plasmaban distintos estados del alma del fotógrafo.

Esta vanguardia de la fotografía fue muy popular en Europa, Estados Unidos y Japón hasta la llegada de la Primera Guerra y se alzó como un movimiento en contra de la fotografía de principiantes y la emergente comercialización de la disciplina.

Algunos de sus mayores exponentes fueron Peter Henry Emerson, Robert Demachy, Lionel Clark y José Ortiz Echague, en España.

En la fotografía que ilustra este artículo, vemos una imagen tomada por Demachy, en la que la mujer es una suerte de ángel y demonio, desvanecidas sus formas en una trama granulada de grises.

Cuenta la historia que la imagen romántica del pictorialismo, entre evanescente y espeluznante, dejó pasó a lo que se conocería como Nuevo Realismo Fotográfico, una corriente nacida por los cambios sociales que vívía el mundo en los albores del siglo XX.

FUENTE: http://www.fotografias.net/14-02-2007/historia-de-la-fotografia/el-pictorialismo

como se planteo en clase muchos de los autores fotograficos nesecitaban la sensacion de originalidad de crear una pieza unica he irrepetible donde el talento fuera siempre un paso adelante de la suerte y la tecnica y experiencia aflorara eb una bella imagen esto queda claro en las obras presentadas por dichos simpatisantes de ste movimiento.

CAMARA ESTENOPEICA

Básicamente la fotografía estonopeica es aquella que se hace sin ningún tipo de lentes. Así, en vez de la lente (o lentes) de las cámaras fotográficas convencionales la luz pasa a través de un diminuto agujero (estenopo) de tamaño aproximado al que haría una fina aguja de coser, de ahí el término inglés con que se conoce a este tipo de fotografía ‘pinhole’. Así pues, para hacer fotografías estenopeicas se requiere de una ‘cámara obscura’ que puede ser cualquier tipo de caja o recipiente ‘estanco’ a la luz, en uno de cuyos lados se ha practicado este minúsculo agujero mientras que en el lado opuesto se sitúa cualquier tipo de material fotosensible (película o papel fotográficos, etc.).

 

Sencillo, ¿no?

Frente a las cada vez más sofisticadas cámaras fotográficas existentes en el mercado la fotografía estenopeica es sin duda la forma más simple de hacer fotografías, y quizá la más barata. Sin embargo, sus posibilidades son prácticamente ilimitadas (admite cualquier formato tele gran angular etc., dobles exposiciones, uno dos o varios estenopos, distintos efectos según el material fotosensible que se utilice, etc. etc. etc.). Las fotografías que se obtienen son realmente sorprendentes y no necesariamente han de ser peores que las obtenidas con otras cámaras más sofisticadas. Ciertamente las imágenes no presentan la nitidez de las obtenidas con las cámaras que poseen lentes, pero esto en ocasiones puede ser un atractivo. Además, frente al inconveniente de tener que ‘enfocar’ de las cámaras con lentes, en la fotografía estenopeica todos los objetos, desde unos pocos cm hasta el infinito, saldrán enfocados.

 

 

Vocabulario de la lectura hecha por Villem Flusser

 

Listado de palabras segun su importancia.

-Imagen.-Superficies Significativas.-Abstraccion.-Espacio-tiempo.

-Captar con una mirada.

-Conferir.

-Reconstruir las dimensiones abstraidas.

-Registrar.

-Simbolos Connotativos.

-Relacion temporal.

-Magia.

-Traducciones de hechos.

-Representar el mundo del hombre.

-Textos

-Escritura

 

 

Principio doble y la mitad

Tenemos entonces que el fotómetro hace una medición de la luz que refleja la escena, y da un par de exposición(velocidad/nºf).
Sabemos también que tanto la velocidad como la abertura se manejan con valores que son el doble o la mitad de paso a paso. Esto nos permite, por ejemplo, compensar una velocidad un punto más lenta (deja exponer el material sensible durante el doble de tiempo) con un diafragma un punto más cerrado (deja entrar la mitad de luz). Entonces, un par dado por el fotómetro (por ejemplo: velocidad 125, diafragma 5.6) pude ser reemplazado por otros, obteniéndose la misma exposición.
Los siguientes son ejemplos de pares que dan la misma exposición:  

Velocidad: 125 / 60 / 30 / 15 / 8
Abertura: 5.6 / 8 / 11 / 16 / 22

O, aumentando la velocidad:

Velocidad: 125 / 250 / 500 / 1000 / 2000
Abertura: 5.6 / 4 / 2.8 / 2 / 1.4

Si bien todos estos pares dan la misma exposición (igual densidad de negativo), el resultado final de las fotos tomadas con distintos pares no será el mismo. Estas variaciones se verán al estudiar en profundidad el obturador y el diafragma.

La cámara reflex y sus partes

Cada cámara, reducida a sus componentes más básicos, es simplemente una caja con una apertura con un fin de admitir luz y un dispositivo al fin de retener película.

A excepción de las cámaras de agujero (pinhole), todas las cámaras modernas tienen una lente montada sobre el hoyo por donde penetra la luz, cuyo fin es tomar cuadros lo más intensamente posible con menos luz. Un dispositivo mecánico llamado contraventana controla la cantidad de tiempo que la luz se admite en la cámara. Algunos obturadores son operadas a resorte; otros se regulan electrónicamente. El disparador del obturador es una palanca, o botón de estímulo que activa la misma.

 Hay tres tipos principales de oculares: el visor, lente de reflejo simple, y lente de reflejo doble. El visor es comúnmente un sistema simple de lente; iluminado desde el objeto y pasando mediante un visor al ojo y mediante una lente diferente a la película. El lente simple de las cámaras reflex tiene sistemas separados de visor e impresionador de película. Durante el encuadre, un espejo refleja la luz ascendente que entra en la cámara y mediante un prisma que vuelve la imagen al derecho. Cuando se toma un cuadro, los espejo se mueven hasta permiten que la luz impacte la película. El lente doble de las cámaras reflex posee dos espejos y dos de lentes, uno es el visor y el otro es para crear la imagen sobre la película. Las lentes se acoplan mecánicamente para estar en el foco simultáneamente.

Las Lentes de Cámara

El propósito de una lente de cámara está transmitir rayos de luz en la cámara y los enfocarlos para formar una imagen intensa sobre la película.

Tipos y propiedades de lentes.

El tipo más simple de lente es el menisco, un simple pedazo curvado de vidrio óptico o plástico moldeado. Todas las lentes sufren de aberraciones, o imperfecciones. Estas pueden ser su alcance y nitidez de imagen. La calidad mejora apreciablemente, al montar dos o más elementos de lente individuales como una unidad. Las lentes más complejas pueden tener una docena o más de tales elementos. En la mayoría de las lentes de buena calidad, estos elementos se revisten con una capa delgada del fluoruro de magnesio o alguna otra sustancia para reducir reflejos internos.

La apertura de la lente.

Las cámaras ajustables se equipan con un diafragma de iris, un dispositivo ubicado en, o cerca la lente que consiste en una superposición de láminas delgadas que se pliegan juntas para crear un hoyo de tamaño continuamente variable. De esta manera la apertura, puede ajustarse para admitir más o menos luz según se requiera. El diafragma se marca comúnmente con una serie de símbolos llamados paradas, que son designadas por números-f (f-numbers), tal como f/5.6 o f/8. Los números-f expresan la relación entre longitud focal y la apertura. Un número más grande indica una menor apertura.

"Parar" o "cerrar una parada" es colocar el control de diafragma en la subsiguiente marca de parada de menor apertura, por ejemplo desde f/4 a f/5.6, o desde f/8 a f/11. Esto reduce la cantidad de luz admitida a la mitad.

"Abrir una parada" significa colocar el controlador del diafragma en la subsiguiente apertura más amplia: f/11 a f/8, o f/8 a f/5.6, por ejemplo. Esto duplica la cantidad de luz admitida.

La profundidad de campo.

La apertura de la lente no solamente controla la cantidad de luz que entra en la cámara, también afecta otro aspecto fundamental de la profundidad de fotografía de campo. La profundidad de campo es el rango en frente y detrás del enfoque objeto que incidirá en de los detalles que quedaran en la imagen final. Depende de la apertura de lente, la distancia enfocada, y la longitud focal de la lente. Una apertura pequeña de lente, una distancia grande entre la cámara y el objeto, y una longitud focal corta da como resultado una mayor profundidad de campo.

A veces los fotógrafos quieren tanta profundidad de campo como sea posible a fin del registrar objetos severamente claros desde las cercanías hasta la infinidad. En este caso se fijaría la apertura práctica más pequeña. En otras circunstancias se podría preferir una profundidad somera de campo para hacer que un objeto permanezca enfocado mientras el resto se encuentran sin definición y suaves. En este caso se usaría una apertura de lente amplia.

El obturador

El propósito del obturador es regular la extensión de tiempo que la luz penetra en la cámara durante una exposición. Las contraventanas vienen en diversos formatos.

 

Fuente: http://www.textoscientificos.com/fotografia/camara

 

 

La imagen

Flusser Villem

 

 

La imagen: Es una superficie significativa.

  

3 dimensiones: Ancho, largo y profundo.

 

 Abstracciones del espacio y tiempo, tiene la capacidad específica de abstraer la abstracción, de la abstracción.

 

 Conjunto de símbolos connotativos, algo interpretativo.

 

Imágenes: Apariencias, que hacen referencia al exterior.

 

ejemplo facil   Retrato: Representación, abstracción de las tres dimensiones de una persona. 

 

A lo que nos puede llevar este autor es a darnos cuenta de que una imgen no es mas que un elemento que utiliza el autor para llegar a transmitir su particular representacion de un hecho, ya que el autor es parte directa de la obra tanto asi que el mismo toma un lado, un angulo, una distancia y muchas de las veces una participacion directa manipulando los acontecimientos para lograr su cometido,

ademas de la fuerte critica acerca de lo que para mi es lo mas alarmante el analfabetismo visual el no saver como leer una imagen y mucho menos el crar una imagen con popuesta.

 

ademas creo que se pude dar un repaso ligero pero no menos importante a lo que nos trata de decir el libro 

hacia una filosofia de la fotografia--- superficie significativa ------ 4 dimenciones  ancho,largo, profundo y espacio tiempo.

estas son abstracciones del espacio tiempo proyectadas en tu mente haciendote imaginar, ademas tratan deponer un todo sobre la mesa para comprenderlas y crear nuevas ideas que sirvan para plasmar nuevas ideas dandole el tan mencionado en clase toque de magia a la imagen el poder hacer al mundo portatil de esta lectura tan chingona diria mi buen maestro me nace la nesecidad de explicar ya con un poko de entendimiento que   " la fotografia es una representacion de lo que el hombre quiere ser y un documento de lo que en realidad es "